Portrait de l'âme brûlée de l'artiste

Assis sur le train, je retourne les photos d'une exposition récente tenue par ROSIZO dans les murs de la galerie Tretyakov sur l'Embankment de Kadashevskaya – -Le Patrimoine de l'Epoque. Mikhaïl Savitsky. De Biélorussie, le lieu de naissance de l'artiste, il a apporté ses premières peintures, qui ne sont pas si connues, une petite partie du terrible cycle de l'histoire noire, consacrée à la tragédie à la centrale nucléaire de Tchernobyl, ainsi que des œuvres rares – illustrations pour les livres d'enfants et les magazines de jeunes soviétiques. Étaient sur l'exposition et des portraits de groupe de partisans, qui, en passant, les Biélorusses eux-mêmes n'ont pas vu depuis longtemps (les peintures ont été prises des fonds du musée, et quand le public sera en mesure de les voir à nouveau – un mystère), et le cycle le plus important dans l'œuvre de Savitsky, les Digits sur le Cœur, a été présenté modestement – une reproduction numérique de l'artiste autoportrait de l'artiste. L'œuvre, largement connue dans le monde entier, est en fait l'une des 16 peintures que l'on peut voir dans le Musée biélorusse de l'histoire de la Grande Guerre patriotique, où nous examinerons certaines d'entre elles selon la formule de Beethoven « De l'obscurité à la lumière, par la lutte à la victoire ».

L'exposition au Musée de Minsk de la Grande Guerre Patriotique est construite chronologiquement, et presque au début de l'inspection, en passant par l'équipement militaire, à gauche vous remarquez une "aile" avec les peintures de Savitsky - les attrapes oculaires. Avant que vous ayez le temps de considérer les toiles, et le cœur commence déjà à battre plus souvent à partir de la vue des personnages des peintures. Mais le guide audio mène dans l'autre direction - il n'est pas encore temps pour le spectateur de se familiariser avec le reflet visuel des manifestations les plus cruelles qui, il s'avère, peuvent être caractéristiques des gens. Le récit est basé sur le principe d'une spirale, dont chaque niveau est plus terrible que le précédent.

Mikhaïl Andreevitch Savitsky a dit: «Pour exciter une personne, vous devez brûler votre âme vous-même – une phrase qu'il a malheureusement confirmée dans sa vie, mais pas de sa propre volonté. L'artiste est diplômé de l'école Surikov de Moscou alors qu'il avait déjà moins de 40 ans. Cela a déjà été évité par la guerre. Après l'école - l'armée, puis - la défense de Sébastopol, les blessures et la captivité - Dusseldorf, Buchenwald, Mittelbau-Dora. Les yeux qui nous regardaient de l'autoportrait, le Prisoner 32815, ont vu tomber de l'impuissance des prisonniers sur la carrière, le sang en Thuringe, l'humidité et le froid des cellules punitives, des cadavres vivants dans le camp de la mort de Dachau près de Munich – là et ont trouvé un homme avec des figures sur son cœur, cryptant le nom de Mikhail Andreevich Savitsky. Il lui-même ressemblait plus à un homme mort - les Américains, qui ont libéré le camp le 29 avril 1945, ont trouvé Mikhail Andreyevich inconscient, il respirait à peine. Cependant, le portrait lui-même est fait à l'arrière-plan des portes forgées de non Dachau, mais Buchenwald, où devant l'entrée de l'enfer de chaudron il est écrit : « Jedem das Seine ». Et au-dessus de la figure sur la poitrine - un triangle rouge inversé avec la lettre "R", prisonniers politiques si marqués de l'Union soviétique. Les chaussures en bois sur les pieds de héros, que nous percevons aujourd'hui comme l'un des symboles des Pays-Bas et les portons comme un souvenir, étaient en fait les chaussures des prisonniers – extrêmement inconfortables et impraticables, ce qui ne faisait que compliquer le travail déjà insupportable.

Les guides avec des excursionnistes passent l'"aile" avec "Digitals sur le cœur" assez rapidement, en parlant de chaque œuvre par phrase - pas par manque de respect pour l'artiste, comme il pourrait sembler, et pas par un désir de terminer rapidement la visite de l'exposition. Nous sommes venus ici spécifiquement pour se tenir à chaque toile et considérer tous les détails, et il est moralement difficile pour les gens en groupes, en particulier ceux qui sont ici pour la première fois, de se familiariser avec chaque nuance de la terrible tragédie vécue par la Biélorussie longtemps souffrante, recueillie ici avec soin par des particules. Il y a des larmes dans les yeux des hommes et des femmes.

Nous sommes debout dans la salle depuis un certain temps et entendons à plusieurs reprises la même question des visiteurs : -Pourquoi ces œuvres sont-elles écrites si tard ? - « Late » est près de 30 ans après la tragédie, de 1974 à 1979, puis en 1987.

À la fin du métropolite "Surikova" en 1957, Mikhail Andreevich a commencé sa carrière d'artiste socialiste. À la vérité, à travers laquelle il passait lui-même et au silence dont il considérait la trahison, il se tourna déjà en étant un maître reconnu. Derrière les épaules se trouve le grand succès de la Vierge Partisane de 1967, qui a été immédiatement acquise par la Galerie Tretyakov, son style dur reconnaissable est déjà apparu, à cause de laquelle les maîtres ont été accusés de noirceur, de tristesse et même retiré des œuvres de l'exposition (à laquelle il a dit: Les yeux de ses héros ont trouvé leur chemin au cœur du public malgré cela.

La plupart des œuvres de l'artiste-philosophe sont saturées de symboles, que le spectateur devra considérer et déchiffrer, mais les données numériques sur le Cœur nécessite plus de connaissance de l'histoire (et autrement prompt à étudier chaque micro-détail des événements de ces années). La peinture "The Curse" (1979) est à ce sujet. À première vue, il semble que les prisonniers de l'enfer essaient de s'échapper en brisant les barres barbelées de la clôture, et l'hypothèse est confirmée, mais seulement partiellement. C'est une évasion non pas à la liberté terrestre, mais à la liberté céleste. Une pratique assez quotidienne dans un camp de concentration est de se mettre sur le fil, quand les prisonniers, incapables de résister à la torture, ont préféré se coucher sur des fils haute tension avec les mots de malédictions contre les nazis sur leurs lèvres.

Considérez la toile scandaleuse "Summer Theater" (1974), pour laquelle Savitsky était connu comme un antisémite. Au nom – une terrible métaphore, que les nazis appelaient les fosses où brûlaient les corps des morts. Derrière est une machine terrible et sans âme avec des yeux brûlants, dont le métal froid, en quelques secondes, jettera les corps des morts dans la fosse (sur certains visages les bouches sont ouvertes, mais leurs expressions sont calmes et humbles). Seuls les corps d'enfants sont épuisés par la faim, et le soulagement des muscles est visible sur les corps des adultes, ils ressemblent plus à des gens morts torturés, mais de belles statues anciennes. Mais le principal n'est pas les cadavres. Le héros au premier plan sur la gauche est un nazi, dont le visage riant est délibérément caricaturé par l'artiste, et sur la droite, avec un sourire tout aussi laid, un prisonnier-serviteur, sur le cœur duquel on voit une tache de rectangle jaune et un triangle bleu inversé : c'est ainsi que les juifs-immigrants dans les camps depuis la seconde moitié de 1944 ont été désignés. Pour cette raison, Mikhaïl Andreevich a été accusé d'insulter les Juifs. Mais le maître était sûr de la véracité de la représentation et a répondu que parmi les autorités à l'intérieur du camp, parmi ceux qui ont brûlé les cadavres, il y avait en fait beaucoup de juifs (comme les gens ont essayé de survivre en enfer), et a continué à insister sur leur propre. Il y a une version que le signe sur la poitrine de ce prisonnier désigne un rabbin et en fait il est apparu plus tard à la place de l'Étoile de David à la demande personnelle de Pyotr Masherov (alors - Premier secrétaire du Comité central du Parti communiste de Biélorussie).

Le titre de la toile « Chevaux chanteurs » (1979) sera plus correct pour écrire différemment – « Chevaux chanteurs ». Cyniquement appelés les équipes du camp, qui étaient engagées dans le nettoyage des cadavres du territoire. Dans la charrette, des corps tiraient les prisonniers, que les nazis conduisaient avec des fouets. Afin de travailler plus amusant, les prisonniers ont été forcés de chanter sous la douleur de la mort. Et encore une fois, regardez les visages : le maître reste fidèle à lui-même. Les visages souriants des fascistes sont laids et dégoûtants, les joues sont rouillées, les yeux ne sont pas visibles (comme vous le savez, c'est en eux que l'âme humaine se reflète). Les visages des cadavres à nouveau ne causent pas d'horreur et même sont beaux. Cependant, l'artiste travaille les vues des hommes qui traînent le wagon - ils regardent à travers le spectateur, il n'y a pas de soumission en eux. C'est la résilience, la lutte et l'acceptation de leur terrible voie, qu'ils ont l'intention de surmonter. Ils, contrairement à ceux qui sont déjà devenus leur "cargo", sont encore vivants, ce qui signifie qu'il y a encore une chance de sortir d'ici sur leurs pieds, non pas sur un wagon, et non pas seulement sortir, mais avec une victoire sur le mal. Les mains et les pieds nus des prisonniers sont des os recouverts de peau, les pieds des surveillants sont réchauffés dans des bottes en cuir poli massif, la main puissante rose de celui de gauche garde le fouet prêt, et celui de droite se réjouit, en écoutant le chœur des prisonniers, mais sa main est toujours prête à prendre la mitrailleuse derrière son épaule s'il y a une résistance courageuse.

Enfin, l'une des Vierges Savitsky, Madonna Birkenau (1978), est la preuve que les accusations de l'artiste de la tristesse absolue et désespérée des peintures sont intenables. Il vaut la peine de le considérer avec la silhouette d'un crématorium noircissant, au-dessus duquel le corps d'une Vierge et d'un bébé se lève - dans le cycle c'est un exemple d'une toile métaphorique construite non sur documentaire, mais sur symbolisme figuratif. Maîtres préférés de la Renaissance (et pas seulement!) l'intrigue Savitsky repense bien évidemment. Un symbole d'amour est un hommage à toutes les mères qui sont mortes dans les camps. Comme les autres morts dans les peintures du cycle, nous ne voyons pas l'horreur figée sur le visage de la mère et de l'enfant, devant nous encore une ancienne beauté humaine idéale qui semble inaccessible. Nous regardons vers le bas et voyons un autre symbole signifiant une nouvelle vie – des fleurs sauvages modestes germées sur les cendres de ceux brûlés dans le crématorium – la mort chrétienne des droits.

Sur le chemin vers le côté de la maison du musée, des lettres brouillées sur le mur de la forteresse de Brest sont portées en mémoire (l'exposition du musée commence par son faux fragment): Nous mourrons, mais nous ne quitterons pas la forteresse, l'élégant sac à main du héros de l'URSS Elena Mazanik, dans laquelle elle a porté une mine dans une maison de maître avec les nazis, beaucoup d'autres objets sont des symboles de résistance aux nazis, mais surtout – les héros de Savitsky. De son vivant, l'artiste s'est posé la question : pourquoi est-ce si réaliste ? Il est difficile et douloureux de regarder les Nombres sur le Cœur, étant donné le quartier du cycle avec les salles où les peignes improvisés et les jouets d'enfants d'étranges matériaux improvisés trouvés sur les sites des anciens camps de concentration sont stockés, comme preuve silencieuse de cruauté inimaginable, qui, il s'avère, est caractéristique des représentants d'homo sapiens. Mais parmi les milliers qui ont été torturés, étouffés dans des chambres à gaz, brûlés ou morts d'épuisement, l'artiste a survécu. Une sorte de "luck", "seconde chance" pour la vie, Mikhail Savitsky avait l'habitude de dire la vérité en langage artistique, qui ne peut être oublié.